„Lebloses Wasser das | alles Lebende | am Leben erhält“ | In dir sind | wir geschwommen
vor unserer Geburt | Du wirst regnen | auf unsern Staub |
Rose Ausländer
Und das Meer wirft seinen Schein | Um Gebirg und Feld und Hain
Und das Meer zieht seine Bahn | Um die Welt und um den Kahn.
Annette von Droste-Hülshoff
Wasser ist H2O, zwei Teile Wasserstoff, ein Teil Sauerstoff. Aber da ist noch ein Drittes,
das erst macht es zu Wasser, und niemand weiß, was das ist.
D. H. Lawrence

Was bedeutet Wasser für den Menschen? Die oben angeführten Zitate spiegeln einen kleinen Ausschnitt wider; ohne Anspruch auf Vollständigkeit zwar, essentielle Aspekte sind es dennoch: Aus dem Wasser stammt alles Leben; und es existiert wohl kein Kulturkreis, in dessen Schöpfungsmythologie dem Wasser nicht eine lebens-, sinn- und identitätsstiftende Bestimmung zukäme. Wasser befindet sich in kleinen, größeren und riesigen Ge-Wässern gigantischen Ausmaßes, das heimische Flüsschen führt in die ozeanische Weite und Fremde. Wasser manifestiert sich in mannigfaltigen Erscheinungsformen, deren sinnliche Wirkkraft und phänomenologische Varianz in dem spröden Terminus „ Aggregatzustand“ nicht einmal bruchstückhaft zum Ausdruck gebracht wird: diverse Niederschlagsarten, Wolkenformationen, Nebelschwaden, Gletscher- und Eisberge faszinieren den Menschen – und den Künstler in ihm! – seit undenklichen Zeiten; ebenso, wie sie sich als Naturgewalten zum Schrecken und zur Bedrohung auswachsen können, nicht selten, ohne dabei das ihnen innewohnende Faszinosum einzubüßen. Zusammengefasst lässt sich bis hierher feststellen: „das“ Wasser existiert nicht. Mensch und Künstler begegnen soziokulturellen sowie historisch- geographisch gewachsenen, aquatischen Bildern und Symbolen. Arktisches Eis, alpiner Schnee, Sturmflut an der Meeresküste, Brunnen in der Wüste – der Mensch wird durch sie geprägt, und spricht in den von ihm geschaffenen Ausgestaltungen auch, wenn nicht gar vor allem, über sich selbst.

Es wäre müßig, die Flut [sic!] bildgewordenen Wassers aus kunsthistorischer Sicht eindämmen zu wollen; vergebliche Mühe, eine rein willkürliche Auswahl zu vermeiden; wenig zielführend, hinlänglich bekannte Kunstwerke in steter Rekapitulation vorzustellen. Stattdessen soll versucht werden, dem Wesen des Wassers nachzuspüren, seine faszinierende, ja geradezu verzaubernde Anziehungskraft auf den Menschen ein wenig zu ergründen.

Von seiner Eigenschaft als Ursprung alles Lebendigen wurde bereits gesprochen; welche Charakteristika eignen ihm noch? AQUATISCHE ERSCHEINUNGEN – ÜBER WASSER, UNTER WASSER, OBERWASSER „Lebloses Wasser das | alles Lebende | am Leben erhält“ | In dir sind | wir geschwommen vor unserer Geburt | Du wirst regnen | auf unsern Staub | Rose Ausländer Und das Meer wirft seinen Schein | Um Gebirg und Feld und Hain Und das Meer zieht seine Bahn | Um die Welt und um den Kahn. Annette von Droste-Hülshoff Wasser ist H2O, zwei Teile Wasserstoff, ein Teil Sauerstoff. Aber da ist noch ein Drittes, das erst macht es zu Wasser, und niemand weiß, was das ist. D. H. Lawrence 9 Wasser bzw. seine Ausformungen und - gestaltungen, finden sich überall; man könnte dem Wasser durchaus Allgegenwart, und somit etwas Numinoses, attestieren – Orte, welche sich durch umfassende Nicht-Gegenwart von Wasser definieren, evozieren dessen Anbetung, zumindest Ehrfurcht und Verehrung, aus ebendiesem Grunde. Quell-Wasser, so der Kulturwissenschaftler Hartmut Böhme in seiner Anthropologie der Elemente, sei das erste Element des antiken locus amoenus; von dort fließe es durch die Landschaften aller Epochen – es ist allgegenwärtig, räumlich wie zeitlich. Johann Heinrich Zedler bezeichnet 1733 im Artikel „Brunnen-Quelle“ seines Universal-Lexicons als fontium origo denjenigen Ort „an den Wurzeln der Berge, oder auch anderswo, … allwo das Wasser aus freien Stücken herausbricht und den Anfang der Bäche und Flüsse“ bilde. Bedeutsam in diesem Kontext ist der Begriff „aus freien Stücken“: Wasser steht für Bewegung ohne (äußeren) Anstoß, für Bewegungsdrang, für kraftvolle Unruhe – auch die sogenannten „stehenden“ und „temporären“ Gewässer sind hiervon nicht ausgenommen: ökologisch gesehen, gelten sie als „bewegungsarm“ – und gründen nicht selten tief … Ein wesentliches Kennzeichen des Wassers also ist Mobilität qua Natur: Der Mensch weiß dies seit Jahrtausenden für sich zu nutzen – einerseits; auf der anderen Seite stehen der Nutzung (Schifffahrt, Fischerei, Wasserkraft seien stellvertretend genannt) ebenso lange in die Vergangenheit zurückreichende, und von mehr oder weniger Erfolg begleitete, Bemühungen gegenüber, sich vor dem Wasser zu schützen; dort, wo Wasser sich zu Wassermassen vervielfacht, Bewegung zu Raserei mutiert und Kraft sich zu Gewalt potenziert. Ausdruck dessen in der Bildenden Kunst findet sich insbesondere bei Meeresanrainern: prachtvolle Segler stehen neben Deichbau und Landaufschüttung; Beherrschung des Elements neben Konfrontation und Niederlagen, welche von einem einzelnen Schiffbruch bis hin zu Sturmfluten reichen, die ganze Landstriche verwüsten.

Die Angst vor dem Meer sei die Strafe für die Ausdehnung von Herrschaftsgebiet und Mehrung des Wohlstands auf Kosten anderer, konstatiert manch ein Kommentator – wobei dies nicht allein auf Seefahrer-Nationen seit der Frühen Neuzeit bzw. zur Hochzeit des Kolonialismus zu beziehen ist, sondern bereits für die antike Magna Graecia gilt. Das „große Griechenland“ mit seinen Stadtstaaten im Süden Italiens konnte nur unter der Bedingung entstehen, dass die Seefahrer die Routen entlang der heimischen Küstenlinien verließen und auf das offene Meer hinausfuhren – allen Widrigkeiten und Urängsten zum Trotz. Allgemeiner formuliert, mit den Worten Johann Heinrich Zedlers: Wasser sei ein guter Knecht, aber ein böser Herr.

Der Topos vom guten Knecht, aber schlechten Herrn, führt unmittelbar weiter zur wohl eindrücklichsten Individualität des Wassers – als zeitgenössischer Terminus würde wohl das „Alleinstellungsmerkmal“ verwendet werden. Wie diejenige des Wassers, ist auch die Dienstbarkeit des Feuers von zweifelhafter Natur: es vermag vom Wasser bezwungen zu werden, vulgo gelöscht; andererseits jedoch ist es in der Lage, seinerseits dem Wasser zu gebieten, und es durch Hitzeeinwirkung zu zwingen, seine Erscheinungsform zu verändern und sich in Dampf zu verwandeln. Das Wasser nämlich ist ein Gestaltwandler; und zwar qua Natur (gleichermaßen wie hinsichtlich der oben angeführten Mobilität); es kann nicht anders – welch einzigartige Substanz! Ein wesentlicher Teil der Aura des Wassers darf gewisslich auf diese seine Eigenschaft zurückgeführt werden – welche wiederum unter verschiedenen Facetten betrachtet werden kann.

Zur Erläuterung sei an dieser Stelle zunächst Rekurs zu nehmen auf die Farbe bzw. die Farben des Wassers, häufig eine Spielart des Blau: Wasserblau, Wellenblau, Meerblau wären zu nennen; aber auch Gletscherblau, Eisblau; ebenso Azurblau oder Himmelblau. Der Kreislauf des Wassers, das von großen Wasserflächen verdunstet, in seiner ätherischen Gestalt zum Himmel aufsteigt, zu Wolken oder Nebel wird, und schließlich als Regen oder Schnee zur Erde zurückkehrt, ist seit Menschengedenken so hinlänglich bekannt, wie immer aufs Neue beeindruckend. Wolken wurden von den Vorfahren auch als Meteora bezeichnet (griechisch für „in der Luft schwebende Himmelserscheinung“); sie sind, so spricht der Dichter, ein Fluss im Himmel. 

Ein Medium also ist das Wasser, ein Mittler zwischen Himmel und Erde, beiden Sphären zugehörig, und dadurch des Menschen und des Künstlers Bewunderung stets teilhaftig. Die Phänomenologie des Wassers, bzw. die Phänomenologien seiner Erscheinungsformen, muten so zahlreich und so vielgestaltig-verschieden an wie die Stimmungen und Befindlichkeiten des Menschen; ebenso zwiespältig und in sich selbst widersprüchlich. Die letzte Besonderheit des Wassers ist hiermit erreicht; vielleicht diejenige, die es am innigsten mit dem menschlichen Naturell verbindet: seine Ambivalenz. Allenthalben begegnet sie: Regen fällt als Wolkenbruch, Strich- oder Landregen; mit zunehmender Intensität erfüllt er den das Individuum umgebenden Raum und lässt es sinnlich und leiblich Teil von sich werden; der Mensch im Regen wird nicht mehr nur nass, er materialisiert zur Nässe. Eine Verdichtung dieser Erfahrung erfolgt, handelt es sich beim Niederschlag um Schnee. Mensch / Künstler in tiefwinterlichen, abgelegenen Bergregionen, im schlimmsten Falle vom Erfrierungstod bedroht, sehen sich, je länger sie sich in dieser potentiell lebensfeindlichen Situation befinden, desto mehr einem Verlust der Orientierung ausgesetzt, da das blendende Weiß das Auge vergeblich nach einem Fixpunkt suchen lässt. Wahrnehmung wird trügerisch, Temperaturen sinken, der Körper manifestiert sich als Kälte. Schneebildern eignet hauptsächlich aus diesem Grunde ein vollkommen eigenständiges Narrativ. 

Eine Desorientierung, Raumauflösung geradezu, die dem Aufenthalt in der Abgeschiedenheit der Schneewelt vergleichbar ist, entsteht beim Aufenthalt im Nebel. Da der Gesichtssinn nicht mehr funktioniert bzw. in gewohnter Weise, funktioniert, muss der Mensch sich situativ anpassen – was nur gelingen kann, wenn er sich darauf einlässt, mit dem Körper zu „sehen“, bzw. mit dem Sinnesorgan Haut, das von der feuchten wässerigen Kühle ultimativ berührt wird. Eine durchaus beängstigende Erfahrung, welche den Erfahrenden auf archaische Instinkte zurückwirft – womöglich eine der am meisten zwiespältigen Auswirkungen des Wassers überhaupt.

Wurde bis zu diesem Punkt die Doppeldeutigkeit des Wassers auch negativ, als eine gewisse Doppelbödigkeit, konnotiert, so soll nun ein andersartiger Aspekt folgen. Wie erwähnt: Wasser löscht den Durst und das Feuer – und ertränkt in seinen Fluten. Man ist ihm ausgeliefert – und kann dennoch von ihm getragen werden. „Das Glück des Schwimmers“ ist in der Literatur vergleichsweise verbreitet; in der bildenden Kunst findet es sich häufiger erst in jüngerer Vergangenheit. Dies ist wohl der Tatsache geschuldet, dass es dem Menschen – von wenigen, hochspezialisierten Freitauchern abgesehen – ausschließlich durch moderne technische Hilfsmittel möglich ist, große Wassertiefen zu erreichen. Der direkte (Augen-)Kontakt mit den faszinierenden Lebewesen der Tiefe ist ein einzigartiges Erlebnis. Aber auch nur das Getragen-Sein im Wasser, das Schweben, die Leichtigkeit, die Berührung, der taktile Dialog mit dem Element, erschaffen Empfindungen, die mit dem Wunsch einer Rückkehr in das Ur-Element, zum Ursprung des Lebendigen, eher unzureichend umschrieben werden. Es geht vielmehr um das menschliche Streben, die Grenzen des „angestammten“ Bereichs zu überwinden und sich neue Welten zu erschließen. 

Sie haben viel gemeinsam, Mensch und Wasser; womöglich ist die ihnen jeweils innewohnende „mehrfache“ Natur die wesentlichste Gemeinsamkeit. Das Humane wie das Aquatische verbinden passive und aktive Merkmale in einer Wesenheit: sie lassen sich lenken und nehmen ihren Weg auch gegen Widerstände; sie werden durch Raum und Zeit verändert und wirken ihrerseits auf ihre Umgebung ein – vom Fluss zum Ein-Fluss ist es gar kein so weiter Weg. Das Fließen des Wassers entspricht dem Fluss der Gedanken; metaphorische Auffassungen von Wasser, so die Philosophie, stehen für Vorgänge und Strukturen des menschlichen Denkvermögens: für das Ausströmen (von Erfahrung und tradiertem Wissen), für die Kraft zur Veränderung, für das Eintauchen in Unbekanntes, für das 11 Verschwimmen von Grenzen, und für das Fortreißen von obsolet Gewordenem mit der Flut. Wasser spiegelt den menschlichen Geist, und hält ihm den Spiegel vor; seine – so Ute Guzzoni – vielleicht geheimnisvollste Eigenart sei, dass „die Spiegelfläche die Gegenstände und uns selbst zu zeigen vermag, als kämen sie uns aus dem Wasser selbst entgegen.“ Und weiter: „Die Beweglichkeit, eine Grundeigenschaft des Wassers, stellt sich seiner Spiegelungsfähigkeit entgegen. … Wird die Ruhe und damit die Glätte der Wasseroberfläche gestört, so verschwindet das Bild.“ – Der Künstler vermag es wieder zurückzuholen; sein Werk als ein Spiegel seines Denkens und Tuns. Wie das Wasser aus einem Brunnen quillt, fließt und rinnt die Farbe auf der Leinwand; der Hohlraum einer Skulptur wird zum Gefäß, welches das Wasser fängt und staut wie in einem Teich.

Aller Wesensverwandtschaft zum Trotz bleibt das Aquatische dem Humanen in einer Hinsicht überlegen: auch wenn es sich nicht „freiwillig“ verwandelt, so sind seine Metamorphosen doch von bestechender Leichtigkeit, der Wechsel zwischen seinen Erscheinungsformen bzw. Aggregatzuständen ein spielerisch anmutendes Hinübergleiten. Dem Humanum hingegen sind Fortschritt und Veränderung als lebenslange Aufgabe gestellt, sie sind zu erkämpfen und zu erringen – Rückschläge eingeschlossen, Scheitern nicht ausgeschlossen. In diesem Sinne: Auf zu neuen Ufern! 

Brigitte Herpich

Nach der erfolgreichen Premiere in 2023 setzt das Kunst- und Kulturforum MEMU seine Ausstellungstätigkeit im Frühjahr 2024 mit den beiden Themenausstellungen „WASSERstoff #alles im FLUSS“, und „DIE LINIE als malerisches Phänomen“ fort, wobei die letztgenannte nach dem gelungenen Auftakt im vergangenen Jahr bereits in die zweite Runde geht.

Die gewählten Themen – Wasser und Linie – werden in bewährter Manier in verschiedenen Themenräumen zusammengefasst, welche jeweils einzelne bzw. eigenständige Aspekte beleuchten und erörtern. Die Zusammenstellung setzt die ausgewählten Arbeiten zueinander in Beziehung; sie eröffnet eine Beziehung überhaupt erst, welche ausschließlich auf diese eine, einzigartige Art und Weise, an diesem einen, einzigartigen Ort, so entstehen und bestehen kann. Zu dieser Einzigartigkeit trägt im Wesentlichen bei, dass nur Werke und Werkzyklen zur Ausstellung gelangen, die ihre Wirkungskraft und Aussagen aus den individuellen Künstlerbiographien herleiten. Es werden bewusst keine „Auftragsarbeiten“ mit Vorgaben zu bestimmten Themen bzw. zu den Ausstellungsmaximen gezeigt.

„DIE LINIE als malerisches Phänomen II“

Exemplarische Bedingungen der Linie als „malerisches Phänomen“ zeigen die beiden Künstlerinnen Doris Hahlweg (München) und Susanne Ackermann (Karlsruhe).

Bei Doris Hahlweg manifestieren sich freie Gedankenketten in wildexpressiven bildnerischen Gestaltungen; Gedankenketten, die sich permanent wechselseitig beeinflussen und verstärken, ihre Kraft und Referenz aus sich selbst generieren.

Diesen sind, als Dialogpartner, die streng erscheinenden, dennoch dynamisch bewegten Liniensysteme von Susanne Ackermann gegenübergestellt. Ihr Thema ist hauptsächlich die Visualisierung der Entstehung unseres – subjektiven – Zeit- und Weltempfindens, bzw. unseres jeweiligen Standpunktes hierzu.

Georg Bernhard (Jahrgang 1929) und Çiğdem Aky (geboren 1989) erschaffen eine Art schwebenden Bildraumes, der sich nicht aus einem Naturraum ableitet. In beider Werkentwicklung ist dies, trotz des signifikanten Altersunterschieds, ein grundlegendes Thema.

Georg Bernhard arbeitet seit mittlerweile 80 Jahren im Spannungsfeld der Linie zwischen Zeichnung und Malerei. Seine hier präsentierten, nach 25 Jahren neu überarbeiteten, Leinwandbilder definieren sich grundsätzlich von der Zeichnung her, führen nichtsdestoweniger beispielhaft auf direktem Wege hin zum Phänomen der bewegten Malerei.

Aky hat schon früh in ihrer künstlerischen Entwicklung einen eigenen Standort in der zeitgenössischen Malerei herausgebildet und weiß ihre bildnerischen Artikulationen mit nuancierter Leichtigkeit zu beschreiben. Ihre Bilderfindungen erzeugen im Betrachter eine Vorstellung, eine Vision einer kurz vor der endgültigen Ausformulierung stehenden Idee, die den Beschauer zur Vervollständigung ebendieser Idee einlädt. Die von Jochen Schambeck gezeigten Tondi, und die Werkformen von Carolina Kreusch, greifen Formate auf, die in früheren Zeiten viel genutzt wurden, heute jedoch im Grunde „vergessene“ Bildformate sind. Jochen Schambeck besetzt mit seinen ausnehmend pastosen Gemälden und seiner intuitiven Arbeitsweise eine Position zwischen Malerei und Relief. Seine abstrakten Bilder der genannten Werkserie zur Linie erzeugen gänzlich eigene Assoziationen zu vegetativen Erinnerungen und deren Erscheinungsformen.

Die „amorphen“ Bildunikate von Carolina Kreusch, mit ihren von Fall zu Fall neu entwickelten Strategien, definieren und erklären sich in einer Art von selbstreferentiellem System aus sich selbst heraus. Es entstehen persönliche und doch lesbare, authentische Bildtheorien im Grenzbereich vom Relief zum Malerischen.

WASSERstoff #alles im FLUSS“

Der Bildhauer Willi Weiner zeigt in seiner Werkserie zum Thema Wasser dingliche Manifestationen, welche die gängigen Vorstellungen über das flüchtige, flüssige Element zur plastischen Objektidee wandeln, und somit physisch erfahrbar machen.

Jochen Heins individuell entwickelte Malweise erzeugt, von weitem betrachtet, nahezu naturalistische Bildwirkungen. Diese Malstücke, wenn sie uns dann im Prozess der Annäherung einen völlig anderen malerischen Mikrokosmos zeigen, machen uns erst dadurch ein authentisches sinnliches Begreifen möglich.

Die Ausstrahlung von Franz Baumgartners tonigen Bildwerken wird von ihrer inneren Ruhe und malerischen „Gelassenheit“ erzeugt. Diese nimmt den Betrachter mit in eine geheimnisvolle Bildwelt der Stille und Reflexion, die ohne offensichtliche – oder auch grundlose – Bewegtheit eine vollkommen eigene Aura erzeugt.

Beim Blick auf die Arbeiten von Peter Lang drängt sich dem Betrachter unmittelbar die Idee des „olympischen Erzählers“ auf, der beim Reflek91 tieren über Zeit und Raum ins Fabulieren gerät – ohne freilich in Phantasterei abzuschweifen. „Land in Sicht“, eine der Begrifflichkeiten des Künstlers, beschreibt sowohl seine Denk- als auch seine Malweise durchaus treffend.

Ansgar Skiba formuliert seine Begegnung mit der Natur zunächst in Form einer Selbsterkenntnis. Auf seiner kontinuierlichen Suche nach einem Archetypus erzeugt er gewissermaßen Prototypen, die das Verständnis und die Interpretation von Naturerscheinungen, wie zum Beispiel der Bewegung einer Welle, begreifbar und erfahrbar machen.

Sonja Weber erschafft ihre „Bild“-Werke mit einem Webverfahren (Jacquard-Gewebe) aus der Textilindustrie. Durch den Transformationsprozess, von der Fotographie als Skizze, über die Auswahl des Blickwinkels, bis zur fertigen Umsetzung als gewebte Bildwerke, entstehen eigenständige, der „Malerei“ verpflichtete Werke.

Eine andere Art der Übersetzung nutzt Christof Rehm. Die Abzüge seiner Großformatdias werden vom Istzustand erstellt, was auch Arbeitsspuren im Dia beinhaltet, die gewissermaßen als „Bilderweiterung“ mit abgebildet werden. Durch Licht und Schwärze des Abzugs entsteht ein – ursprünglich auf einer Fotographie basierendes – nun neuartiges und autarkes Bildwerk.

Im Themenraum von Patrick Rohner und Josef Zankl spielt das Wasser mit seinen Fließ- und Trocknungseigenschaften die Hauptrolle.

Der studierte Bildhauer Josef Zankl zeigt in seinen Wasser-Zeichnungen Formen von getrockneten Flüssigkeiten. Es sind Studienblätter, Momentaufnahme eines bildnerischen Wissenschaftlers, der den Zufall mit all seinen Eigenschaften festhalten, und das dergestalt Ergriffene, erforschen will.

Der Maler Patrick Rohner erschafft im Gegenzug dazu bildgewordene Langzeitexperimente, die er über einen gewissen festgelegten Zeitraum steuert. Diese Blätter wirken einerseits wie Malereien, sind zuvorderst aber Ergebnis einer langwierigen und langwährenden Werkfindung, die von Naturprozessen erzählt und diese sinnbildhaft beschreibt.

In den Gemälden von Ulrike Hogrebe scheinen die Elemente letztendlich zur Ruhe gekommen zu sein. Die vom Menschen erdachten Wasserfahrzeuge, Boote bei Hogrebe, sind zur Wirklichkeit geronnene Gedanken und Erinnerungen – an eine hoffnungsvolle Reise, über das Wasser hinweg, und weiter noch.

Jörg Bachs Schiffe zeigen sich in Baugruppen, welche sich aus grundlegenden plastischen Prinzipien heraus entwickeln. Die assemblageartige Struktur erzählt über das pragmatische Prinzip der menschlichen Bewegung im Wasser, mit all seiner Dynamik, und auch Dramatik. Es präsentiert sich hier eine Neuerung in Bachs Oeuvre, in dem figurative Plastik zuvor nicht vorkam.

Im Themenraum von Barbara Ehrmann, und noch einmal Jörg Bach, blicken wir unter die Wasseroberfläche und erleben Wasserspiele. Barbara Ehrmann ist Apnoe-Taucherin. Die Impressionen, Impulse und Empfindungen, die sie während ihrer Tauchexpeditionen erfährt, inspirieren sie zu ihren Zeichnungen. Intensive Grenzerfahrungen hinsichtlich Atem, Zeit und Verschmelzen mit dem Naturelement, sind die bestimmenden Parameter, die sie in der Folge zeichnerisch umsetzt.

Beim Anblick der Wasserspiele von Jörg Bach ergreift den Betrachter die Anmutung einer Handvoll Wasser, in die Luft geschleudert und dort unmittelbar zu Eis erstarrt. Die gänzlich frei konfigurierten Strukturen sind Inspiration und Ausgangspunkt seines neuen aktuellen Werkzyklus.

Abschließend sind noch drei weitere, unterschiedliche Aspekte rund um das Thema Wasser zu erleben. Per Segelschiff reiste Petra Schuppenhauer in die Antarktis. Eine Reise in eine fremde Welt, in der Tradition des „Expeditionszeichners“, der seine Eindrücke ins Bild setzt, um den Daheimgebliebenen die große weite Welt zu zeigen. Mit ihrem feinen Farbgefühl lässt Schuppenhauer uns an ihrem Erlebnis teilhaben.

Auch Gerlinde Zantis kann man in dieser Tradition sehen. Ihre bevorzugten Ziele sind die südfranzösischen Wasserläufe. In minutiös ausgearbeiteten Nachtstücken entführt sie uns in die stille kontemplative Präsenz eines Augenblicks, die innehalten lässt vor der Natur.

Die Bildhauerin Anna Arnskötter erschafft Kunstobjekte, welche dem Zerfließen des Elements eine äußere Form verleihen. Ihre keramischen Architekturplastiken fassen die Eigenschaften von Wasser in eine symbolhafte, gebaute, man könnte auch formulieren: geradezu zivilisatorische, Form.

Harry Meyer

Susanne Ackermann

Susanne Ackermann wurde in Oldenburg geboren und arbeitet heute in Karlsruhe. Sie war Meisterschülerin von Professor Erwin Gross. Das Arbeitsstipendium „Cité Internationale des Arts“ in Paris wurde ihr 1999 zugesprochen. Mit einer Vertretungsprofessur lehrte sie von 2007 bis 2009 an der Fachhochschule Mainz. 2011 erhielt sie den renommierten Hanna-Nagel-Preis. Vertreten ist sie in den Sammlungen Würth, Künzelsau, Statoil N.A. Inc./Houston, Marli Hoppe-Ritter/Waldenbuch, Deutsche Bank Frankfurt, Bausparkasse Schwäbisch-Hall, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe und andere mehr. Mit Ausstellungen war sie präsent in der Galerie Rottloff, Karlsruhe, der Kunsthalle Göppingen, der Kunsthalle Messmer, Riegel am Kaiserstuhl, der Williams Tower Gallery, Houston, der Galerie von Braunbehrens, Stuttgart, der Heinz-Martin Weigand Gallery, Berlin, der Gallery Sonja Rösch, Houston/Texas, dem Museum im Ritterhaus, Offenburg, im Wilhelm Hack Museum/ Ludwigshafen, bei der Gesellschaft der Freunde junger Kunst/Baden-Baden sowie im Museum Ritter/Waldenbuch.
www.susanneackermann.de

Çiĝdem Aky

Die in München lebende Malerin Çiĝdem Aky (geboren 1989) hat an der Akademie der Bildenden Künste in München und in Karlsruhe (Meisterschülerin) studiert. Sie erhielt noch während des Studiums das Oskar-Karl-Forster Stipendium, sowie 2015 einen DAAD-Preis. Es folgten ein Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg und das HAP-Grieshaber-Stipendium des Kunstmuseums Reutlingen. In den Jahren 2020 bis 2023 folgten Ausstellungen in den Galerien Mario Strzelski/Stuttgart, Maximilian Hutz/Österreich, Evelyn Drewes/Hamburg, Kristinhjellegjerde Galerie/London und Berlin, Bernhard Knaus Fine Art/Frankfurt, und in der Dirimart Galerie/Istanbul. Diese zeigte Aky u. a. auch auf der „Art Basel“ Hong Kong, der Art Fair Vienna und der „Art Dubai“. Die MEWO Kunsthalle in Memmingen, das Kunstmuseum zu Allerheiligen/Schaffhausen, die BMW Foundation München, das Kunstmuseum Heidenheim, das Kunstmuseum Reutlingen, die Kunstarkaden Kempten und die Kunsthalle Rostock präsentierten ihre Arbeiten ebenfalls.

www.cigdemaky.de

Anna Arnskötter

Die Künstlerin Anna Arnskötter (lebt und arbeitet in Brandenburg) hat an der Freien Akademie Nürtingen und an der Weißensee Kunsthochschule Berlin Bildhauerei studiert. Sie ist seit 2012 Mitglied in der Holzschneidervereinigung XYLON Deutschland e.V. Schon früh hat sie an Symposien teilgenommen, z. B. 1998 am Internationalen Schneeskulpturenwettbewerb in Nuuk Grönland, am 3. Bildhauerinnen-Symposium in Prösitz, am Vogtländischen Grafiksymposium und am Symposium „Translokationen – Architektur der Nomaden“ in Potsdam. Auch wirkte sie wiederholt beim Symposium „LandSchafftKunst“ in Neuwerder mit. Ihre Werke wurden 2000 von der Darmstädter Sezession mit dem Förderpreis bedacht. Stipendien erhielt sie u. a. von der Käthe-Dorsch Stiftung/ Berlin und dem Kunstverein Greven. Ihre Plastiken und Graphiken wurden in jüngster Zeit von folgenden Galerien und Institutionen gezeigt: Galerie Tobias Schrade/Ulm, Städtische Galerie Lahr, Galerie Tammen/Berlin, Kunstverein Kaponier/Vechta, Galerie Hoch&Partner/Leipzig, Kommunale Galerie Wilmersdorf/Berlin, Kunstverein Ulm und weitere mehr.

www.annaarnskoetter.de

Jörg Bach

Der Bildhauer Jörg Bach hat Ende der 80er Jahre an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei den Professoren Förderer und Akiyama studiert. Er war 2018 Preisträger (Honneur) der Heitland Foundation und hat 2019 den Wilhelm-Loth-Preis für Plastik erhalten. Durch öffentliche Aufträge hat er mit seinen Plastiken vielen Bauwerken und Plätzen ein unverwechselbares Gesicht verliehen, z. B. der Sparkassenversicherung in Kassel, den Berufsschulen Tuttlingen und Balingen, dem Bildungszentrum Wilhelmsdorf, den Arbeitsämtern in Ravensburg bzw. Tuttlingen, dem Gesundheitsamt Rottweil, u. a. Zahlreiche Kunstsammlungen, wie das Regierungspräsidium Tübingen, die Sammlung der OEW in Ravensburg, das Ministerium Baden-Württemberg für Wissenschaft, Forschung und Kunst und die Sammlung des Landkreises Tuttlingen kauften seine Werke an. Seine Arbeiten werden von namhaften Galerien vertreten, u. a. der Galerie Wohlhüter/Thalheim, der Galerie Hrobsky/Wien, der Galerie Schmalfuß/Berlin/Marburg. Im Museum Art.Plus in Donaueschingen, im Kunstraum Villa Friede in Bonn oder im Kunstverein Baden-Baden war er zuletzt präsent.

www.joergbach.de

Franz Baumgartner

Der in Köln lebende Künstler Franz Baumgartner (geboren 1962 in Kleve) hat zunächst bei Karl Marx und danach an der Kunstakademie Düsseldorf bei Professor Dieter Krieg als Meisterschüler studiert. Er erhielt u. a. das Stipendium Villa Romana in Florenz, den Deutschen Kunstpreis der Volks- und Raiffeisenbanken und den Preis der Darmstädter Sezession. Sein Werk wurde in den vergangenen Jahren von vielen namhaften Galerien gezeigt: u. a. von der Galerie Cyprian Brenner/ Schwäbisch Hall, der Galerie Hübner/Frankfurt, der Galerie Astuni/Pietrasanta, der Galerie Lukas Feichtner/Wien, der Galerie Felix Ringel/Düsseldorf, der Galerie Hof & Huyser/Amsterdam und der Galerie Six Friedrich/München. Diese zeigten seine Bildwerke auf wichtigen Messen für bildende Kunst, z. B. auf der Art Cologne, der Art Amsterdam, der Art Rotterdam, dem Art Forum Berlin, der Vienna Art Fair, der Art Bologna, der Art Verona, und auf der Art Karlsruhe. In jüngerer Vergangenheit war er in folgenden Institutionen zu sehen: in der Kunsthalle Darmstadt, im Palazzo Albrizzi-Capello in Venedig, im Kunstverein Xanten, im Vida Museum/Öland/Schweden und im Museum Kurhaus, Kleve.

www.franz-baumgartner.info

Georg Bernhard

Der 1929 geborene Georg Bernhard begann seine Kunststudien als Hochbegabter ab 1943 bei Professor Hans Döllgast an der Kunstschule Augsburg – er war damals 14 Jahre alt! Von 1948 bis 1954 studierte er an der Akademie der Bildenden Künste in München, war Meisterschüler bei Professor Hermann Kaspar. Noch während seiner Studienzeit (1952) erhielt er ein Stipendium der Studienstiftung des Deutschen Volkes für Rom. 1963 wurde ihm der Kunstpreis der Stadt Augsburg zuerkannt. Von 1971 bis 1991 hatte er eine Professur an der FH in Augsburg inne. Ein Stipendium der Stiftung Pro Helvetia führte ihn nach Ronco/Schweiz in das Haus Seewald. Bernhard ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund und in der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst. Seine erste Einzelausstellung wurde ihm, ebenfalls noch als Student, von den Kunstsammlungen der Stadt Augsburg im Schaezlerpalais ausgerichtet. Seine Werke befinden sich heute u. a. in der Staatlichen Graphischen Sammlung in München, der Sammlung des Bundes in Berlin, im Museum Moritzburg/ Halle (Saale), bei der Gesellschaft der Freunde des Hauses der Kunst/München und in der Bayerischen Staatsgemäldesammlung in München. Georg Bernhard gilt als wichtiger Kirchengestalter im süddeutschen Raum. Er hat zwischen 1957 und 2012 weit über 100 Kirchen gestaltet und hierbei u. a. mit dem Architekten Thomas Wechs zusammengearbeitet.

www.georgbernhard.de

Barbara Ehrmann

Die 1962 geborene Barbara Ehrmann hat Malerei und intermediales Gestalten an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart studiert. Kurz nach Studienende erhielt sie ein Atelierstipendium des Landes Baden-Württemberg, und im Anschluss daran ein Stipendium der Kunststiftung Baden- Württemberg. 1996 war sie mit einem Stipendium an der Cité Internationale des Arts in Paris, und 2017, gefördert durch die Stiftung Bartels Fondation, in Basel. Den Kulturpreis der Städte Ravensburg und Weingarten erhielt sie 2018. Seit 2018 erfüllt sie einen Lehrauftrag an der Dualen Hochschule Baden-Württemberg für Mediendesign in Ravensburg. Ehrmann war 2022 Artist in Residence in Ayvalik an der Ägäisküste der Türkei. Sie ist mit ihren Werken in vielen öffentlichen und musealen Sammlungen vertreten: z. B. in der Staatsgalerie Stuttgart, im Ulmer Museum, in der Sammlung Wessenberg Galerie/Konstanz, der Sammlung der OEW/Ravensburg und der Sammlung Krupp in Essen. Im Jahr 2024 richtet ihr der Kunstverein Offenburg eine umfassende Ausstellung aus. Bereits in den 1990er Jahren wurde sie von den den Galerien Kippenberger/Köln, Cuenca/Ulm und der Atelier-Galerie Oberländer/Augsburg gezeigt.

www.barbara-ehrmann.de

Doris Hahlweg

Die in São Paulo geborene Künstlerin Doris Hahlweg lebt in München. Ihr Studium absolvierte sie an der Akademie der Bildenden Künste bei den Professoren Rudi Tröger und Hans Ladner (Meisterschülerin, Diplom). Sie war 1993 und 1994 zum Pleinair in Frankreich von der Darmstädter Sezession geladen und erhielt kurz danach eine Förderung nach dem Hochschulsonderprogramm des Bayerischen Kultusministeriums. Des Weiteren wurde sie 2009 und noch einmal 2017 von der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung gefördert. Zuletzt war ihr Werk mit Einzelausstellungen in der Galerie Artoxin, München, der Galerie Schenk Modern, Landshut, der Galerie Markt Bruckmühl, der Neuen Galerie Landshut und im Kunstpavillon Alter Botanischer Garten in München zu sehen. Sie ist in den Sammlungen der Münchener Secession im Lenbachhaus, der Bayerischen Staatsgemäldesammlung, der Artothek München, der Hausbank München und der Sammlung der McKinsey Company vertreten. International richtete ihr in 2021 und 2022 die Taguchi Gallery in Gifu/Japan eine Einzelschau aus. Ebenfalls 2022 wurde ihr der vielbeachtete Seerosenpreis in München zuerkannt.

www.dorishahlweg.de

Jochen Hein

Der 1960 in Husum geborene Jochen Hein hat an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg studiert und lebt heute auch in Hamburg. Er ist in der Sammlung der Hamburger Kunsthalle und im Museum Kunst der Westküste in Alkersum auf Föhr vertreten. Einzelausstellungen von seinen Werken waren zuletzt in der Galerie Commeter, Hamburg, der Galerie Thomas Fuchs, Stuttgart, dem Museum Singer in Laren/Niederlande, dem Kunstmuseum Bensheim, dem Nordseemuseum, Husum, der Kunsthalle Jesuitenkirche, Aschaffenburg, und der Stadtgalerie Klagenfurt/ Österreich zu sehen. Bereits 2003 richtete ihm die Hamburger Kunsthalle eine Einzelausstellung aus. Er war 2023 an den spektakulären Schauen „Eisige Visionen – 200 Jahre das Eismeer“ zum 200jährigen Bestehen des gleichnamigen Gemäldes von Caspar David Friedrich“ in der Barlach Halle K in Hamburg, und an der Schau „CASPAR DAVID FRIEDRICH – Kunst für eine neue Zeit“, in der Hamburger Kunsthalle beteiligt. Seine Galerien Fuchs und Commeter zeigen Jochen Hein regelmäßig auf Kunstmessen, wie z. B. der Art Cologne, der Volta Art Fair, Basel, der Cologne Fine Art, und der Positions Art fair, Berlin.

www.jochenhein.com

Ulrike Hogrebe

Ulrike Hogrebe lebt in Neuwerder im Havelland. Sie hat an der Hochschule der Künste in Berlin Malerei und Bildhauerei bei Professor Michael Schoenholz studiert. Hogrebe ist Initiatorin der Biennale „LandschafftKunst“, die seit 2006 alle zwei Jahre in Neuwerder stattfindet. Die Künstlerin wurde vielfach ausgezeichnet, u. a. mit dem Karl-Hofer-Stipendium, dem Arbeitsstipendium des Berliner Senats, den Stipendien des Künstlerdorfes Schöppingen, des Künstlerhauses Schloss Wiepersdorf und des Künstlerhauses Lukas in Ahrenshoop, sowie dem Stipendium für Bildende Kunst des Landes Brandenburg. Es folgten die Kunstpreise des Kultusministeriums des Landes Brandenburg, der Brandenburgische Kunstpreis der Märkischen Oderzeitung, und der Kunstpreis der Roland Gräfe Stiftung. Hogrebes Werke sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, z. B. in der Berlinischen Galerie, im Neuen Berliner Kunstverein, in der Sammlung Walbusch, Solingen, und in der Sammlung Behrens, La Gomera. In Süddeutschland war sie zuletzt in der Galerie Josephski-Neukum in Issing am Ammersee zu sehen.

www.ulrike-hogrebe.de

Carolina Kreusch

Die 1978 geborene Carolina Camilla Kreusch studierte nach einer Ausbildung zur Holzbildhauerin an der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe bei Professor John Bock, dessen Meisterschülerin sie war. Während ihres Studiums war sie mit einem Stipendium des Landes Baden-Württemberg im Centro Nacional de Bellas Artes in Mexico City. Sie erhielt 2020 den Kulturpreis Bayern, und 2021 den Seerosenpreis der Stadt München. Von 2018 bis 2019 hatte sie eine Vertretungsprofessur an der Technischen Universität Dortmund inne, und bis 2022 einen Lehrauftrag an der Fakultät für Architektur der TU München. Ausstellungen zeigte sie in folgenden Institutionen: Kunstverein Neckar-Odenwald, Kunststation Kleinsassen, Städtische Galerie Traunstein, Städtische Galerie Cordonhaus, Cham, Städtische Galerie Rosenheim, Kunstverein Passau, Kunstverein Marburg, Villa Merkel, Esslingen. Ihre Werke sind in folgenden Sammlungen vertreten: Artothek, München, Sammlung des Bezirks Oberbayern, Sammlung der Städte Rosenheim und Burghausen, sowie in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen.

www.carolinakreusch.com

Peter Lang

Peter Lang ist 1965 geboren. Er lebt und arbeitet im bayerischen Wald und auf Island. Studiert hat er in München bei den Professoren Rudi Tröger und Jerry Zeniuk. Sein Werk wurde mit dem Kulturpreis Ostbayern ausgezeichnet. Studienreisen führten ihn u. a. nach Navarra in Spanien, Patagonien in Chile, Snaefellsjokull in Island, und nach Trondheim in Norwegen. Er hat mit einem „Schiffsatelier“ Island umrundet und währenddessen eine komplett neue Werkserie erarbeitet. Die Liste seiner Ausstellungen in öffentlichen Institutionen ist lang: Galerie der Stadt Pilsen, Städtische Galerie im Leeren Beutel Regensburg, Galerie im Prediger, Schwäbisch-Gmünd, Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern, Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen, Kunstmuseum Erlangen, Städtische Galerie Rosenheim, Museum Modern Art Hünfeld, Oberpfälzer Künstlerhaus Kebbel-Villa, Schwandorf und andere mehr. Seine letzte Einzelausstellung war im Sprengel Museum in Hannover zu sehen. Mehrere Galerien vertreten sein Werk: z. B. Galerie Fenna Wehlau, München und Galerie anna25, Berlin.

www.peter-lang.info

Christof Rehm

Christof Rehm hat an der Akademie der Bildenden Künste in München bei den Professoren Günther Förg (Meisterschüler) und Karl Imhof studiert. Er lebt und arbeitet in Augsburg, wo er seinen eigenen Projektraum „fotodiskurs“ betreibt. In seinen Ausstellungen zu aktuellen Positionen der Fotografie waren zuletzt Darren Almond, Werner Knaupp, Sayako Sugawara und Joan Fontcuberta zu erleben. Seine eigenen fotografischen Werke befinden sich z. B. in der Staatlichen Graphischen Sammlung München, den Kunstsammlungen und Museen, Augsburg, der Kunstsammlung Kloster Roggenburg, und in der Bayerischen Staatsgemäldesammlung. Die Städtische Galerie im Höhmannhaus, Augsburg, der Verein für Originalradierung in München, die Lyonel-Feininger-Galerie - Museum für grafische Künste, Quedlinburg, und die Gallery Tamarind Institute in Albuquerque/ USA, zeigten bereits seine Arbeiten. In 2023 erschien sein Künstlerbuch „A heap of broken light“ mit einem Essay des Kunsthistorikers Dr. Andreas Strobl.

www.christof-rehm.de

Patrick Rohner

Der Schweizer Maler Patrick Rohner studierte an der Schule für Gestaltung in Luzern und an der staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf bei Professor Jan Dibbets (Meisterschüler). Ihm wurde dreimal das Eidgenössische Kunststipendium zuerkannt, und er erhielt in St. Gallen den Manor-Kunstpreis sowie 2007 den Straubenzeller-Kunstpreis. Einzelausstellungen von ihm zeigten – bereits 1998 – das Kunstmuseum St. Gallen und das Kunsthaus Glarus, ebenso wie die Kunsthalle Wil und das Nidwaldner Kunstmuseum in Stans. Er war an wichtigen Themenausstellungen zur „Dimension der Farbe“ im Trudelhaus in Baden, oder an der Schau „Magie der Farbe“ in der Kunsthalle Dominikanerkirche in Osnabrück beteiligt. Seine Werke waren Teil der „Mountain“-Ausstellung im Bunkamura Museum, Tokyo, im Shimane Art Museum, Shimane, und im Matsumoto City Museum, Matsumoto/Japan. Auch zur legendären Schau „Der Berg“ im Heidelberger Kunstverein leistete er 2002 einen wichtigen Beitrag. Sein Werk wird seit Mitte der 90er Jahre von der Galerie Mark Müller, Zürich vertreten.

www.patrickrohnerartist.com

Jochen Schambeck

In Bremervörde geboren ist Jochen Schambeck. Er lebt heute in Karlsruhe. Schambeck hat an der Staatlichen Akademie der bildenden Künste bei Horst Antes in Karlsruhe und in Stuttgart bei Sotirios Michou studiert. Seine Werke befinden sich öffentlichen und privaten Sammlungen: u. a. beim ZKM Karlsruhe, der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe, der Städtischen Galerie Karlsruhe, in der Sammlung Dior, Seoul, der Sammlung KUMHO, Seoul, der SØR Rusche Sammlung, Oelde, und der Roland-Kunstsammlung, Köln. Einzelausstellungen mit seinen Werkgruppen waren in der Galerie Artpark in Karlsruhe, der Broadway Gallery, New York, der Galerie Angela Lenz Feldberg-Falkau, der Städtischen Galerie Villa Streccius in Landau, dem Kulturzentrum Englische Kirche in Bad Homburg, und bereits 2002 im Badischen Kunstverein zu sehen. 2019 war er an der Schau „Writing the History of the Future“ im ZKM Karlsruhe beteiligt. Er wird von der Galerie artpark Karlsruhe/ Seoul vertreten. Diese zeigt sein Werk auf internationalen Messen, z. B. auf der KIAF Seoul, der Art Busan, der Scope Art Show in Miami Beach, der Art Helsinki, der Kunst Zürich, der Artefiera Bologna, der Art Miami, und andere mehr.

www.schambeck.de

Petra Schuppenhauer

Die 1975 in Hamburg geborene Petra Schuppenhauer lebt heute in Leipzig, wo sie auch an der Hochschule für Grafik und Buchkunst studiert hat. Ein Studienaufenthalt an der Jan Matejko Academy of Fine Arts in Krakau führte sie 2003/2004 nach Polen. 2017 Studien-Reise mit einem Großsegler in die Antarktis. Als Stipendiatin der Giesecke+Devrient Stiftung war sie am Museum für Druckkunst in Leipzig und Artist in Residence Taidehalli Häme/Künstlerhaus Lukas Ahrenshoop, Hämeenlinna, Finnland. Ihre druckgrafischen Werke wurden vom Klingspormuseum Offenbach, der Sammlung Gisecke+Devrient/Weimar, dem Museum für Druckkunst Leipzig, dem Stadtmuseum Borken und der Anna Amalia Bibliothek/Weimar angekauft. Ausstellungen ihrer Arbeiten waren zu sehen in der Galerie Arthus/Zell, im Museum für Druckkunst Leipzig, im Kunstverein Duisburg, im Kunstverein Borken, in der Galerie Brennwald/Kiel, beim imago Kunstverein/Wedemark, in der Galerie Hoch + Partner/Leipzig, im Museum der Arbeit/Stiftung Historische Museen/ Hamburg und zuletzt (2023) im Musée de l`imprimerie/Lyon

www. petraschuppenhauer.com

Ansgar Skiba

Der 1959 in Dresden geborene Maler Ansgar Skiba absolvierte von 1981-82 ein Studium an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden. Später studierte er an der Kunstakademie Düsseldorf bei den Professoren Rolf Sackenheim, Michael Buthe und Gotthard Graubner. 1993 erhielt er ein Arbeitsstipendium der Kunststiftung Rotterdam und der Stadt Düsseldorf, verbunden mit einem Atelier in Rotterdam. Er ist mit seinen Werken in namhaften Sammlungen vertreten: z. B. in den Staatlichen Museen zu Berlin, im Kunsthaus NRW Aachen-Kornelimünster, in der Kunsthalle Recklinghausen, auf Schloss Moyland/Bedburg-Hau, in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, im Kunstpalast Düsseldorf, in der Museumslandschaft Hessen Kassel, im Kunstmuseum Mülheim an der Ruhr, im Kunstmuseum Gelsenkirchen, im Nordischen Haus/Reykjavík/Island, im Gwangju Museum of Art/Gwangju/Korea u. a. Unlängst war Skibas Werk im Museum Bautzen, im Museum für Gartenkunst auf Schloss Benrath, im Overbeck-Museum in Bremen und in der Galleria Nazionale d‘Arte Moderna e Contemporanea in Rom zu sehen; zuletzt in der Galerie Klose in Essen.

www.ansgarskiba.com

Sonja Weber

Die im fränkischen Hof geborene Sonja Weber (Jahrgang 1968) arbeitet in München. Sie hat zunächst an der Textilfachhochschule Münchberg studiert, danach an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg, und zuletzt bis 2002 an der Akademie der Bildenden Künste in München bei Professor Gerd Winner als Meisterschülerin. Den Förderpreis der „Großen Kunstausstellung NRW Düsseldorf” erhielt sie in 2003; es folgte der 1. Preis für den Wettbewerb „Ein Kreuz für das 21. Jahrhundert“ im Dommuseum Freising. Der Kunstpreis der Nürnberger Nachrichten wurde ihr 2006 verliehen. Ihre Bildwerke wurden u. a. vom Deutschen Bundestag; der e.on Energie München; der Sammlung Siemens/Erlangen; vom Erzbischöflichen Ordinariat München sowie dem Evang.- Luth. Landeskirchenamt München erworben und in Galerien gezeigt wie z. B. Galerie Mariette Haas/Ingolstadt, Galeria K/Palma de Mallorca, Galerie Netuschil, Darmstadt; Galerie Schmalfuß/ Berlin/Marburg, Galerie Tobias Schrade/Ulm, Galerie Kunstkontor/Nürnberg, Galerie Kaschenbach/ Trier, Galerie Kunsthaus Müllers/Rendsburg, Galerie Ilka Klose/Würzburg und der Galerie Art Affair in Regensburg.

www.sonja-weber.net

Willi Weiner

Der 1954 geborene Bildhauer Willi Weiner hat an der Fachhochschule Augsburg bei Professor Georg Bernhard studiert. Er erhielt den Kunstförderpreis der Stadt Augsburg, und 1985 den Villa-Romana-Preis/Florenz. Es folgten ein Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn, das Karl Schmidt-Rottluff Stipendium/Berlin, und 1993 das Stipendium Cité Internationale des Arts in Paris. Weiner war von 1995 bis 1996 „Sai-no-Kuni“ Artist in Residence in Saitama/Japan. Seit 1983 sind bzw. waren Ausstellungen von ihm u. a. in folgenden Galerien zu sehen: Galerie Haderek/Stuttgart, Galerie Stahlberger/Weil am Rhein, Kunsthandel Marion Grcic-Ziersch/München, Atelier-Galerie Oberländer/Augsburg, Galerie Ahlers/Göttingen, Galerie Frank Schlag/Essen, Galerie am Stall, Hude und Galerie Rothe/Frankfurt. Zahlreiche öffentliche Institutionen zeigten seine Plastiken: u. a. die Kunsthallen Recklinghausen und Düsseldorf, die Villa Merkel/Esslingen, das Ulmer Museum, die Staatsgalerie Stuttgart, der Württembergische Kunstverein Stuttgart, die Städtische Sammlung Schweinfurt, die Kunstvereine Marburg und Eislingen und unlängst in 2023, die Stiftung Haus Kränholm in Bremen. Willi Weiner beteiligte sich an diversen Bildhauersymposien, z. B. am Freiraumsymposium in Fujino/Japan.

www.williweiner.de

Josef Zankl

Josef Zankl hat Bildhauerei (Meisterschüler bei Professor Hans Ladner) und Philosophie (M.A.) in München studiert. Er war bereits als Student zum Symposium „Exerzitium“ in Rom eingeladen, und erhielt ebenso eine Einladung zu einer Ausstellung im Lenbachhaus München. Sowohl als Student der Kunst als auch der Philosophie, war Zankl Stipendiat der Studienstiftung des Deutschen Volkes. Kurz nach Beendigung der Studienzeit wurde ihm der Staatliche Förderpreis des Freistaats Bayern zuerkannt. Es folgte eine Nominierung für den Villa Massimo Preis der Bundesrepublik. Das ihm zugesprochene Stipendium der Villa Romana lehnte er aus persönlichen Gründen ab. 1987 absolvierte er mit dem USA-Stipendium einen Studienaufenthalt in Washington und New York. Beim Wettbewerb „Ein Denkmal für Tschernobyl“ erhielt er den 1. Preis, beim Wettbewerb für das „Denkmal der ermordeten Juden Deutschlands“ wurde sein Beitrag von der Jury angekauft. Anfang der 90er Jahre nahm er einen Lehrauftrag an der Akademie der Bildenden Künste in München wahr. 2020 erhielt Zankl, zusammen mit Jasarevic Architekten, den Artheon Kunstpreis Berlin, 2023 einen Sonderpreis zum Holzbaupreis Bayern für die Wegkapelle Schwaigen.

www.josef-zankl.de

Gerlinde Zantis

Die in Aachen lebende Zeichnerin Gerlinde Zantis hat an der Fachhochschule in Aachen studiert. 1990 erhielt sie den Förderpreis des Rheinischen Kunstvereins, und 1995 den Förderpreis der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler. Im Jahr 2005 war sie mit einem Stipendium im Heinrich-Böll-Cottage in Achill Island in Irland. Werke von Gerlinde Zantis befinden sich u. a. in der Bayerischen Staatsgemäldesammlung, im Lenbachhaus in München, in der Sammlung der Blohm & Voss AG in Hamburg, und im Eschweiler Kunstverein. Sie ist seit langem Künstlermitglied der Münchner Secession. Ihr Werk wird von der Galerie Freitag 18.30 aus Aachen und der Galerie Ahlers aus Göttingen vertreten. Der Kunstverein Mainz sowie die Kunstvereine Ingelheim und Rüsselsheim zeigten Einzelausstellungen von ihr. 2018 nahm sie an der mittlerweile legendären Biennale des Kunstvereins Eislingen teil. Auch im Ludwig-Forum für Internationale Kunst in Aachen, in der Budapester Galerie in Budapest, in der Galerie Frey in Wien und im Musée Clément Kiffer in Varize/Frankreich, war sie mit ihrem Werk zu erleben.

www.gerlinde-zantis.de